DOI 10.24053/ CG-58-0025 Reviews Patricia Anne Simpson: German Empires and Decolonial Fantasies, 1492-1942. University of Michigan Press, 2025. 352 pages, 26 images. Paperback $39.95. Hardcover $115.00. Open Access Online. The study of Germany’s colonial histories presents certain challenges for researchers, beginning with the general consensus on German exceptionalism, that, unlike other European powers, Germany’s path through the Age of Exploration did not include the same problematic entanglements with the trade of enslaved peoples, the exploitation of indigenous groups, or the establishment of imperial structures of rule and domination and the concomitant cultural fallout from the gradual erosion and resistance to such legacies of empire� As Simpson’s wide-ranging study demonstrates, this version of the “German question” regarding colonial histories demands rethinking� Although Germans were not as actively involved in the triangular trade as some other European colonial powers, Simpson looks at the ruins of the Prussian colonial presence on the coast of Africa, Groß-Friedrichsburg in present-day Ghana, and shows that from this colonial foothold they did participate in the transatlantic slave trade, sending twenty thousand enslaved Africans to the Caribbean, when, strikingly, “contemporary Prussia had twenty thousand inhabitants” (53). Simpson’s book thus explores real colonial histories but also reads Germany’s colonial imaginary through an impressive range of objects of material culture, public monuments and visual culture, archives of personal and journalistic correspondence, and literary history� The reader is presented with interpretations of board games and game pieces alongside the Behaim Erdapfel , sugar sculpture and equestrian statuary, cigarette cards and primers for young readers living in the German “diaspora,” Goethe’s Brazilian poetry and a range of narratives of settler life and remigration� Because the scope of the research is so broad, the title of the work struggles to contain all the different lines of inquiry, as these do not all constitute “decolonial fantasies�” Some of the texts and contexts amount to out and out fantasies of potential German imperial expansion, some offer a perspective of resistance to the narrative of colonial domination and offer decolonial frameworks for thinking the presence of Germans abroad as well as looking back at the national culture back in Germany from abroad� Perhaps the clearest description that Simpson gives of the project is that it offers a reading of “multiple empires and de-/ re-colonial fantasies” (296). “De-/ re-colonial fantasies” may seem cumbersome, but it is this spectrum of positions regarding the 428 Reviews DOI 10.24053/ CG-58-0025 German colonial imaginary that offers the best sense of the scope and significance of this valuable contribution to the scholarly conversation. The different textual-historical moments that Simpson considers often blur the boundaries between these positions� In a chapter on “Enlightened Colonialism,” Simpson discusses competing colonial logics, beginning with the colonial aspirations of German nobility like the Prussian Friedrich II� Friedrich based his own plans for the expansion of Prussia “not on the acquisition of colonies, but on the annexation of contiguous land to expand Prussian territory and political power” (57). This position was a reasoned response to Machiavelli’s philosophy of power politics, because the absolute monarch thought that colonial extension would weaken the power center, but it would also result in a failure of duty in the colonies (57—58). This political stance thus functions as a critique of the unconstrained colonial efforts of the Spanish, imagining that Germany’s involvement with the indigenous peoples would be more ethical — and more effective. Entangled together here are colonial and decolonial logics: an implicit aspiration for colonization, enlightened colonization, that would value the humanity of the new subjects, but also a clear sense that German coloniality would still be an expression of a perceived cultural superiority, just a superiority that sets itself above not only the indigenous but also the other European powers who clumsily, and brutally, failed in their efforts to establish and expand their power in an enduring and sustainable way� Picking up on the issue of power and control as components of Friedrich’s enlightened colonialism, Simpson turns to Lessing’s critique of Prussian despotism and censorship, which also contains both moments of the de-colonial fantasy. Central to Simpson’s discussion is Lessing’s aphoristic pronouncement, “Nur die Völker sollten die Welt besitzen, die die Welt der Welt doch wenigstens bekannt machen” (63). Lessing’s version of enlightened colonialism makes the entire project conditional on a certain duty to truth, extending epistemological access to the world, while still allowing that certain cultures have a right to own the world� Finally, in Simpson’s discussion of German colonial groups in the Southern Cone of South America and German South West Africa, she explores colonial attitudes in the contact zone: national cultural essentialism, racially charged ethnographic representation of indigenous peoples, gender politics, and so on� Although she repeatedly notes that some of the texts under discussion have received little scholarly attention “for good reason” (231), she develops a sensitive and layered account of the competing cultural ideas held by Germans about their place in the world in the age of empire� Kurt Buhanan, University of California, Irvine Reviews 429 DOI 10.24053/ CG-58-0025 Wurst, Karin A.: Imaginaries of Domesticity and Women’s Work in Germany Around 1800. Rochester, NY: Camden House, 2023. 248 pp. $110.00. Karin A. Wurst is a distinguished expert on eighteenthand nineteenth-century women’s writing and writing about women� She has published extensively on dramatic representations of women, and her Frau und Drama im 18. Jahrhundert (1991) and Familiale Liebe ist die wahre Gewalt (1988) helped set the standard for research on women and family in that period� She has revived neglected plays by women and written illuminating commentary; and she has explored both historical and depicted home life, including garden design, often with an eye to F. J. Bertuch’s Journal des Luxus und der Moden. Throughout her career, she has scrutinized multiple aspects of bourgeois ‘home and garden’ practices and brings this considerable experience to bear on the rich topic of domesticity� We readers are in good hands with this latest monograph� Wurst describes domesticity as a “high-stakes discursive formation that was still essentially unsettled, unstable, and under vigorous discussion in the German states around 1800” (2). It grows from ‘“the feel’ of being at home and belonging” (2), a very basic sentiment that was foundational to bourgeois life and, importantly, “required women’s agency to turn the theoretical ideal into practice” (3). Wurst describes women’s influence in rearing children and setting and preserving the terms for indoor or familial existence� She enlists numerous literary texts and their creators in her project of illustrating compliance and (very rare) noncompliance with domestic norms and gender hierarchies. This is not a book dedicated to demonstrating that things are not what they seem, and much of what lies ahead in Wurst’s text is familiar to us--women in the home; women caring for and educating children; and women creating a supportive environment for their husbands’ work outside the home� The private sphere funds the public sphere� However, Wurst does not merely catalogue these well-known perceptions and ideas. The real contributions of her excellent book, in my opinion, are 1) her eloquent and precise articulations and scholarly grounding of these common understandings and 2) her compelling arguments for the ways in which the gender-based division of labor actually benefited women involved in the promotion of domesticity� Enlisting both Herder and von Hippel, she writes: Herder argued that if the state is to be a place where happiness can develop, it, in turn depends on content and joyful individuals within the family unit. Women created the social and emotional networks within which individual happiness and the fortunes of the state were imagined to be flourishing according to von Hippel; and the modern 430 Reviews DOI 10.24053/ CG-58-0025 state depended on the foundation of the home that women’s emotion work and social contributions created (202). Wurst presents the arguments for the positive and self-affirming aspects of domestic labor for the women doing it, analyzing the variety of tasks and the creativity required to perform them. Citing Joachim Campe, she states “[C]reating this calm atmosphere is not only paramount for a woman’s own happiness, but it also determines her reputation and the respect she garners from others” (201). One cannot plausibly maintain that there is no satisfaction available from domestic work but the larger problem, unsolved it seems to me, is that there are practically no alternatives open to bourgeois women of the period� This is what makes Wurst’s argument daring and, in light of (western bourgeois) history, mildly oppression adjacent. While reading I was strongly reminded of an interview Pope Benedict held with a circle of male reporters on German television a few years ago� When asked about women’s role in the Catholic church, Benedict acknowledged all of the restrictions they faced, but praised those who accepted these difficulties and the lower status and exclusions that went with them. These accounts of women’s options represent different times and institutions, but both involve women accepting or embracing limitations and striving to be effective in the (artificially) restricted world available to them. Wurst is not oblivious to this--quite the contrary--and she presents ‘real housewives’ such as Sophie von la Roche who did their domestic duties and also sustained flourishing literary careers� Wurst also discusses some who were not very good at maintaining the household. Elise Bürger, actor and writer, showed little interest in creating a calm and supportive home for her much older husband and their child� She did not want to breastfeed, had affairs, and she neglected the laundry, sending Gottfried August out into the world in dirty shirts--a palpable sign of the absence of well-executed domesticity. Wurst also addresses relevant literature of the time as well as literary figures. She notes that “literature makes the private and intimate realm of (domestic) relationships a topic for public discussion” (11). From the promotion of Liebesehe to practical modeling of working orderly households, to advice on creating one, literature and constructed domesticity played an important role in self-formation. La Roche, Karoline Wobeser, Margarete Milow, and Johanna Schopenhauer all contributed to the prevailing discourse on domestic correctness, as well as male cultural critics commenting from the margins� These include Goethe, Herder, and Wilhelm von Humboldt along with many others� Wurst draws from a dizzying wealth of historical and scholarly sources, combining and modifying several centuries of thought on the home, what it should be, and the effects of various configurations of domesticity. The ultimate product is a thick descrip- Reviews 431 DOI 10.24053/ CG-58-0025 tion of how women (may have) organized their households and the ways in which observers imagined they did as well as the social effects of this organization� At times a compendium of sources, and at others a bearer of lucid and provocative literary and social analysis, this is a most valuable book� Gail K. Hart, University of California, Irvine Karin Baumgartner: Inventing the German Nation in Travel Literature, 1738-1839. Rochester, New York: Camden House, 2025. 290 pp. $110.00. Given the continued interest in travel writing as a means to understanding how identity - whether that of the traveler or that of the travellee-are captured textually, Inventing the German Nation in Travel Literature, 1738-1839 is a timely contribution to this research area� Intriguingly, Karin Baumgartner takes as her focus the question of how Germans constructed a mental image of themselves as a cohesive group from the mid-1700s to the mid-1800s-in a period well before the formal creation of a German nation in 1871� With the dissolution of the Holy Roman Empire in 1806, millennium-old structures essentially disintegrated, leaving the German confederation to search for new devices to bind its very different regional cultures, landscapes and peoples together. Non-fictional travelogues, Baumgartner persuasively argues, were central to a new mapping of power relations based on movement within the German-speaking regions but also beyond their borders� Following an Introduction that draws attention to emerging travel forms and types of travel literature-the tourist-oriented guidebook being a case in point - the main body of the book opens with a discussion of foreign travelers to Germany between the mid-eighteenth and mid-nineteenth centuries. The spatial imaginary constructed in English and French travelogues was one contested by a German public, either because it was factually incorrect, or because it was embarrassingly true and thus caused antagonism� As a result, German travelers set out to create competing narratives, even if they themselves were subject to the same trials and tribulations-arbitrary tolls and taxation, unpaved roads and insalubrious accommodation (41)-as those from beyond the German-speaking regions� Chapter Two, which turns our attention to how travel was thematized in Johann Friedrich Cotta’s Morgenblatt für gebildete Stände [Morning Paper for the Educated Classes] is important precisely because it focuses on the still largely overlooked genre of journal culture. Taking a journal with a relatively long duration (1807—1865), that was privately owned and broad in its readership, Baumgartner cogently argues that it was key in shaping what readers understood of the world� Travel accounts formed an increasingly important 432 Reviews DOI 10.24053/ CG-58-0025 part of the content of the journal, and Germany was by far the most popular region covered� The Korrespondenz-Nachrichten , or “From Our Correspondent” rubric, was useful in helping to strengthen idea of German-speaking cultural centers such as Berlin and Vienna as anchor points, while indicating that the same topics being discussed in those cities were equally relevant to readers in Cologne, Mannheim or Leipzig� Chapter Three explores the importance of national historical landmarks, such as the medieval city of Lübeck or the ruined castle at Heidelberg, in German travel writing. The fourth chapter turns to what was a major preoccupation of travelers in the first half of the nineteenth century, namely picturesque scenery. Using Soja’s notion of thirdspace -a simultaneously real and imagined locus of individual and collective experience-Baumgartner shows how the sinuous banks of the Rhine and the mountainous crags of the Harz inspired in German travelers a sense of emotional engagement with their homeland, coupled with a nostalgia for simpler ways of life. The relationship between affect and travel is particularly well developed in accounts by Johanna Schopenhauer and Helmina von Chézy, who integrated the female (pedestrian) traveler into the landscape, thus also making their work appealing to female readers. The final chapter argues that the sheer numbers of guests visiting spa towns in Germany meant that these were central meeting places for travelers across Europe seeking diversion, and that spas were important heterotopias where aspirations for a German nation could be shaped� The book concludes by reinforcing the notion that space is necessarily imbued with memory� The Romantic shift in travel writing towards an emphasis on the writer’s subjective impressions was of essential importance in bringing new communities of thought together to exchange ideas a German proto-nation - its territorial extent and its fundamental principles� Given the centrality of maps to Baumgartner’s argument, it would have been helpful to have more pointers in the Figures as to where exactly key towns are positioned� As such, it is difficult, for example, to conclude much from the map of the towns mentioned by Thomas Nugent other than that they were located on key routes of the time, or that Charles Dodd’s Rhine travels published in 1818 and 1820 were much less extensive than Edward Wilkey’s 1839 Wanderings in Germany � Figure 1�13 is perhaps the most useful in pinpointing key cities and thus giving us a better understanding of the scale of travel in this period� The data that this book gathers and evaluates is, however, impressive both in terms of its extent and its detail, and will give those working in travel writing, identity studies and German cultural studies welcome food for thought� Alison E. Martin, Johannes Gutenberg-Universität Mainz/ Germersheim Reviews 433 DOI 10.24053/ CG-58-0025 Jacqueline Waeber, Speaking German Musically: Poetic Recitation in Central Europe 1760-1820. Rochester, NY: Camden House, 2025. 506pp. $190.00 […] und der Virtuose, Klopstocks Messias in der Hand, trat auf, zupfte an seiner Halskrause, räusperte sich, machte mit Tanzmeisterlichem Anstand sein Compliment, zog die Stirn in Falten, und fing an--erbärmlich zu lesen. Seine Kunst bestand darin, daß er bei sanftern Stellen lispelte, bey rührenden heulte, und bey stärkern mit convulsiven Verzuckungen schrie wie ein Marktschreyer� So konnte man in Wielands Der neue Teutsche Merkur vom Jahre 1792 über einen wandernden Deklamator lesen, der sich selbst als Meister der Kunst des guten Vorlesens eingeführt hatte (196f., 330). Eine ähnliche Szene hält Eduard Ritters später entstandenes Gemälde Der Deklamator (1840) aus dem Wiener Belvedere Museum fest, das als Cover das vorliegende Buchs schmückt: In der Mitte ein enthusiastischer Deklamator in biedermeierlichem Habit, mit der Rechten hält er ein Manuskript vor die kurzsichtigen Augen, die Linke hat er expressiv von sich gestreckt, zu seinen Füßen ein hingeworfenes Deklamatorium, um ihn herum 8 Personen in charakteristischen Zuhörer-Haltungen: ein empfindsames Ehepaar, mehr mit sich selbst als mit dem Vortrag beschäftigt, ein schwerhöriger Hausherr, die Dame des Hauses mit einer Tasse Kaffee in der Hand, das Dargebotene nüchtern auf sich wirken lassend, zwei ältere Männer, die von dem Vorgetragenen vollständig erschüttert und derangiert werden, schließlich ein herzhaft gähnender Mann und eine sich ihm zuwendende Dame� Eine komische Genreszene, wie aus einem Nestroy-Stück. Die an der Duke University/ North Carolina lehrende Musikwissenschaftlerin Jacqueline Waeber untersucht in ihrem neuesten Buch Speaking German Musically. Poetic Recitation in Central Europe 1760-1820 das Aufblühen der literarischen Vortragskunst in deutschsprachigen Ländern und die Rückwirkungen auf die Ausbildung von musikalischen Gattungen wie Melodram, Deklamatorium und Lied� Dem Boom des lauten Vorlesens und Rezitierens literarischer Texte in Gesellschaft seit 1760 liegen nach Waeber nicht vor allem mediengeschichtliche Ursachen zugrunde, wie die Veränderung des Buchmarkts durch die vermehrte Publikation schöngeistiger Literatur und die schichtenübergreifende Verbreitung des stillen Lesens (wie für viele Historiker der Vortragskunst wie etwa für Harun Maye), sondern vielmehr die Aufwertung der deutschen Sprache gegenüber der kulturellen und sprachlichen Suprematie des Französischen und Italienischen (21ff., 54). Nach Waeber versuchten die Gebildeten deutschsprachiger Regionen, sich vor allem von den französischen Einflüssen zu befreien (430) und ihrer von den europäischen Nachbarn wenig geschätzten Sprache durch 434 Reviews DOI 10.24053/ CG-58-0025 den mündlichen Vortrag wieder Klang und Ansehen zu verschaffen. Die erste Hochblüte der literarischen Vortragskunst fällt in die Zeit des Erwachens eines nationalen Bewusstseins, das in Deutschland ein Bewusstsein der gemeinsamen Sprache und Kultur war� Insofern spielte die Besinnung auf die „Germanness“ bei der literarischen Deklamation eine wichtige Rolle (2). Allerdings hat es in Nachbarländern (wie England, Frankreich und später Rußland) vergleichbare Entwicklungen gegeben, und Waeber kann an einer ganzen Reihe von Beispielen Rezeptionsprozesse von vortragstheoretischen Überlegungen aus anderen europäischen Ländern nachweisen� Wer immer nach dem Verhältnis von Dichtung und Musik in den 6 Jahrzehnten zwischen 1760 und 1820 fragt sowie nach den Experimenten mit neuen Formen der Verbindung von gesprochener Sprache und Musik, wird in Waebers Buch reichhaltige Antworten finden. Die Autorin ist so gründlich und umfassend zu Werke gegangen, daß auch Spezialisten der Geschichte der literarischen Vortragskunst sowie Experten des Melodrams und des Lieds von ihren teilweise entlegenen Quellenfunden Neues lernen können. Mit ihrer originellen Untersuchung hat Waeber auf vielen Teilgebieten einen neuen Diskussionsstand geschaffen. In dem ersten von vier Teilen behandelt sie die drei Ahnväter der Begründung der Vortragskunst in Deutschland: Lessing, Klopstock und Goethe, und zwar stets mit Hilfe einer vorbildlichen Aufarbeitung der vorliegenden Forschung sowie einer umfassenden Berücksichtigung auch entlegenster Zeugnisse und Quellen aus Archiven� In dem zentralen Kapitel zu Klopstock, dem eigentlichen Pionier der Vortragskunst in Deutschland, untersucht sie nicht nur dessen poetologische und sprachtheoretische Überlegungen, sondern auch die Praxis der Rezitation seiner Verse sowie ihre Deklamation zur Begleitung von Musik und die Vertonung im Lied. Klopstock reformierte die deutsche Vers-Metrik, indem er neben dem Versfuss den von ihm sogenannten Wortfuss einführte, also die Phrasierungseinheit von Versabschnitten. Solche Gliederung nach Wortfüssen bewirkt nicht nur eine sprachakustische Euphonik, sondern hat auch eine bedeutungskonstitutive Funktion� Der Wohlklang bestimmt die Bedeutung der Vortragsvorlagen mit. Wie Waeber zu Recht bemerkt, steht für Klopstock und seine Schüler (wie Johann Heinrich Voss) nicht das Melos, sondern der Rhythmus als zentrale Qualität der Verssprache im Mittelpunkt� An Beweglichkeit sollten die Verse die taktgebundene Musik durch ihren Rhythmus übertreffen (96). In diesem Kontext untersucht Waeber mit musikwissenschaftlicher Kompetenz auch Klopstocks eigene rhythmische Notationsversuche von Versen aus dem ‚Messias‘, mit denen er sich ratsuchend an Freunde wie Heinrich Wilhelm Reviews 435 DOI 10.24053/ CG-58-0025 von Gerstenberg und an Komponisten und Musiktheoretiker wandte� Klopstock kam es auch hier nicht auf die Musik im Sinne der Melodiosität seiner Verse an, sondern auf deren „Zeitteilung“ (102). Der Rhythmus der Verse und ihrer Wortfüsse war vom musikalischen Takt als periodischer Pulsation grundsätzlich unterschieden� Zu Recht wertet Waeber neuere Deutungsansätze der germanistischen Klopstock-Forschung als anachronistisch, wenn sie unterstellen, daß die Musikalität seiner Verse nur durch eine musikalische Komposition hätte vollständig realisiert werden können als ob Dichtung und Musik „symbiotisch“ gewesen seien (90). Für Klopstock sei dagegen klar gewesen, daß der Versrhythmus eine Beweglichkeit und Ausdruckskraft besitzt, die Musik nie erreichen kann gerade auch im Vergleich mit Christoph Willibald Glucks Vertonung seiner Verse (108, 100). In diesem zweiten Teil ihrer Untersuchung analysiert Waeber die vielen, teilweise experimentellen Formen einer Verbindung von Dichtung und Musik in diesen Jahrzehnten, sei es Heinrich Wilhelm von Gerstenbergs sogenannte Contrafacta, also Rezitationen von Versdichtungen zu Klaviermusik, etwa zu Philipp Emanuel Bachs Fantasie in C-Moll für Cembalo (134), sei es die Klopstock-Rezitationen von Christian Friedrich Daniel Schubart. In einem weiteren grossen Abschnitt setzt sie sich mit Goethe auseinander, dem anderen großen Matador der literarischen Vortragskunst im 18. Jahrhunderts. Zu Recht stellt sie dessen schulbildende Rolle heraus, zumal durch die von Eckermann redigierten und herausgegebenen Regeln für Schauspieler � Allerdings fragt man sich bei der Lektüre, ob Waeber hier wirklich den Punkt von Goethes Unterscheidung von Deklamation und Rezitation getroffen hat und nicht einer Überinterpretation unterliegt� Suggeriert sie doch eine Lesart, wonach Goethe den expressiv agierenden Deklamator verdächtige, ihn als Autor zu verraten, indem er sich den Text anverwandelt und sich mit diesem identifiziert (234, 236). Als ob Goethe als Autor Angst hätte haben müssen, durch die Deklamation bestohlen zu werden und die Autorität über seinen Text zu verlieren! Die sogenannten reproduzierenden Künstler - also Schauspieler und Vortragsvirtuosen - genossen in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhundert ein so geringes gesellschaftliches Ansehen, dass sie keineswegs als Konkurrenten von Autoren betrachtet werden konnten, wie denn schon Platon einen grundlegenden Unterschied zwischen dem von den Musen erleuchteten Dichtersänger (Aoiden) und dem aus dem Gedächtnis dessen Verse rezitierenden Rhapsoden machte (vgl. 118). Goethe ging es mit der Unterscheidung von Deklamation und Rezitation schlicht um eine sachliche Abgrenzung der literarischen Vortragskunst von der Deklamation auf der Theaterbühne, wie er es auch in seinen Regeln für Schauspieler formulierte: Dort bleibt der Rezitator der, der er ist und stellt das Dargebotene als etwas Drittes dar; hier dagegen verwandelt sich der Deklamator in eine fiktionale Rolle, für 436 Reviews DOI 10.24053/ CG-58-0025 die er vokal und körperlich expressive Ausdrucksmittel verwenden darf� Waeber kommt hier eine anachronistische, von einigen US-amerikanischen Musikwissenschaftlern nahegelegte Deutungsperspektive in die Quere, wenn sie von einer „valorisation of the rendering of immediacy“ spricht, „that attributes in the end a quasi-authorial position to the reciter. This declamatory style attempts to render the original moment of furor poeticus […]“ (142f). Womit in der Tat der Unterschied zwischen Autor und reproduzierendem Künstler verschwinden und die Deklamation aus Autorensicht als grundsätzlich illegitime Vortragsart erscheinen würde - was sie für Goethe doch keinesfalls war. Sein Faust-Drama war für Goethe auch nicht als Lesedrama gedacht, wie Waeber behauptet (238), sondern - wie die Forschungen etwa von Albrecht Schöne gezeigt haben entschieden für die Bühne bestimmt. Von der Theaterdeklamation sollte die Rezitation nicht aus Gründen einer Pseudo-Rivalität mit dem Autor unterschieden sein: Würde sie sich vokal, mimisch und gestisch auf theatralische Weise gebärden wie auf der Bühne, so würde sie den gesellschaftlichen Takt verletzten und nur Befremden auslösen, wie dies Goethe in seinen narrativen Texten mehrfach dargestellt hat� Eine Zwischenform bildet der sogenannte rhythmische Vortrag bzw. die rhythmische Deklamation, die sich für Rollenreden etwa in Hymnen (man denke an Goethes ‚Prometheus‘-Hymne) anbietet (240). In diesem zweiten Teil ihrer Abhandlung stellt Waeber in einem sehr informativen Abschnitt die italienischen Improvisatoren im 18. Jahrhundert dar und den Anklang, den sie in ganz Europa fanden, mit der Schlußfolgerung, daß der Unterschied zwischen dichterischer Improvisation und literarischer Deklamation nur ein gradueller gewesen sei, kein grundsätzlicher (118). Auch hier ist man versucht zu widersprechen� Die Maximen einer in Deutschland zur Herrschaft gelangten Werkästhetik verweigerten den Improvisatoren ihre Anerkennung vom ersten Drittel des 19. Jahrhunderts an, während die literarische Vortragskunst durch sie gerade befördert wurde, weil sie am literarischen Werk und dessen angemessener Wiedergabe orientiert war� Nach Goethe war die dichterische Improvisation von der von ihm favorisierten Gelegenheitspoesie deutlich unterschieden, insofern diese schriftlich ausgearbeitet werden musste und damit einen ganz anderen Werkcharakter als das improvisierte performative Kunstwerk hatte (126). Übersetzungen aus dem Stegreif, wie sie Waeber bei Goethe untersucht, stellen ja keine Gelegenheitspoesie in Goethes Sinne dar, auch wenn sie einen Einblick in den Schaffensaugenblick und damit den Entstehungsprozeß der Poesie zu gewähren scheinen� Einen Höhepunkt findet Waebers Darstellung mit der Analyse der Rezeption von Jean-Jacques Rousseaus ‚Scène lyrique‘ Pygmalion in Deutschland� Dieses Reviews 437 DOI 10.24053/ CG-58-0025 Melodram, dessen Musik mutmaßlich gar nicht von Rousseau stammt, konnte in Deutschland nur deshalb eine so eminente Wirkung entfalten und zum Anstoß für die Produktion zahlloser Melodramen werden, weil der Rezeptionsboden dafür durch den Boom der literarischen Vortragskunst vorbereitet war (143). Die poetische Rezitation fand nun einen adäquaten strukturellen Rahmen, ohne in eine von Klopstock bekämpfte Musikalisierung der Deklamation zu verfallen� Die Rezitation eines Prosa-Textes wurde von kürzeren musikalischen Ritornellen unterbrochen, die den emotionalen Gehalt des jeweils Gesagten nachklingen ließen und das Kommende ankündigten, jedenfalls nie gleichzeitig mit der Rezitation erklangen� Waeber leitet Rousseaus Überlegungen zu einer veränderten musikalischen Deklamation aus dem musikbegleiteten Rezitativ, dem „récitatif obligé“ der italienishen Oper her (148) - parallel zur Erneuerung der Bühnendeklamation durch Autoren wie Diderot und anderen französischen Autoren� Hier kommen Waebers vielsprachige literatur- und theaterwissenschaftliche Kompetenzen in der französischen Literatur- und Theatergeschichte des Dixhuitième glänzend zur Geltung� Diese erlauben ihr, die Rezeption von Rousseaus Pygmalion als Beispiel eines deutsch-französischen Kultur- und Musiktransfers zu beschreiben. Ausführlich widmet sie sich den erfolgreichen Melodramen von Georg Anton Benda ( Ariadne auf Naxos , Medea ) - einer Form der Bühnendeklamation mit musikalischen Vor- und Nachspielen sowie kurzen intermittierenden musikalischen Zwischenspielen - und untersucht vor diesem Hintergrund auch Goethes Beitrag zur Gattung mit seinem Melodram Proserpina � Einen besonderen Akzent legt sie dabei auf eine formale Eigentümlichkeit der neuen Gattung, die sequenzielle Abfolge von Musik und Deklamation, während eine Gleichzeitigkeit also eine Überlagerung der Deklamationsstimme mit Musik - in dieser frühen Phase des Melodrams weithin Ausnahme geblieben ist, ebenso wie der Übergang der Deklamationsstimme in den Gesang, also in den Bereich der Oper, den das Melodram gewöhnlich meidet� Während die bisherige Forschung zum Melodram (Wolfgang Schimpf, Monika Schwarz-Danuser u.a.) allein von Rousseaus Pygmalion und Bendas Melodramen ausging und unterstellte, daß es eine Art von gattungsinterner Entwicklung gegeben habe, bettet Waebler das Interesse an dieser Gattung auf überzeugende Weise in die Kultur der poetischen Deklamation in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Deutschland und in die vielen Experimente einer Musikalisierung der poetischen Rezitation ein� Das ist die Hauptleistung ihres Buchs� Was sie dabei im einzelnen an abgelegener Literatur und Kompositionen aus Archiven zusammenträgt, ist bewunderungswürdig. Sie erfasst schlechthin alle Versuche einer Verbindung von poetischer Deklamation und Musik in welcher Gattung auch immer in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. 438 Reviews DOI 10.24053/ CG-58-0025 Dieser umfassende Zugriff auf das Material macht ihre Untersuchung zu einem Werk der Grundlagenforschung� Besonders ertragreich sind ihre Analysen zur Rhythmizität der Deklamation in Melodramen von Benda und Johann Friedrich Reichardt� Aber auch gescheiterte Versuche wie Herders Brutus finden ihre Aufmerksamkeit� Eingehend vergleicht sie die beiden Vertonungen, die Goethes Proserpina gefunden hat, einmal durch Karl Siegmund von Seckendorff im Jahr 1778 für die Schauspielerin und Sängerin Corona Schröter, ein anderes Mal durch Carl Eberwein im Jahr 1815. Waeber untersucht diese Stücke sowohl musikwissenschaftlich als auch im Hinblick auf die Umsetzung von Metrik und Rhetorizität (216f.). Dabei kann sie zeigen, daß Eberwein mit seinem Melodram sehr genau an Goethes Konzeption eines „rhythmischen Vortrags“ anknüpft, mit einer Realisierung des Metrums und einer langsamen und deutlichen Artikulation, wie Kritiker meinten: Überartikulation� Im Hintergrund stand Goethes Polemik gegen die sogenannte „Rhythmophobie“ der Deutschen (240). Auch der dritte Teil ihrer Abhandlung bringt sachlich viel Neues, indem er die Gattung des „musikalischen Deklamatorium“ untersucht einer gegenüber dem Bühnen-Melodram à la Benda eigenständigen Form, die man auch als Vorform des dann bei Schumann und Liszt üblichen Konzert-Melodrams deuten kann: eine poetische Rezitation von Versdichtungen mit eigens dafür komponierter Musik, zumeist Klaviermusik (265). Diese Entwicklung der Form des Bühnenmelodrams hin zu einer Art von Konzert- Melodram untersucht Waeber exemplarisch an Johann Rudolf Zumsteegs Deklamatorium Die Frühlingsfeyer auf den Text einer Klopstock-Ode, die in ihrer Klavierfassung erstmals in einer 1784 herausgegebenen ‚Sammlung neuer Klavierstücke mit Gesang für das deutsche Frauenzimmer‘ neben einer Reihe von Liedern publiziert wurde� Zwischen 1780 und 1810 kann Waeber insgesamt 31 solcher klavierbegleiteter Deklamatorien identifizieren (275-281), die z. T. zusammen mit Liedern veröffentlicht wurden und auch einen Einfluss auf die Gestaltung des Lieds gehabt haben. Sie weist zu Recht auf die Innovativität dieser Gattung hin: Vor dem Hintergrund der wachsenden Popularität des Bühnenmelodrams blühte diese neue Form des musikalischen Deklamatoriums als eine Liebhaber-Gattung häuslicher Musik- und Dichtungspflege auf. Neben den verschiedenen Versuchen Zumsteegs mit dieser Form werden auch Deklamatorien weniger bekannter Komponisten vor allem der sogenannten ‚Schwäbischen Liederschule‘ untersucht, wie Carl Ludwig Junkers Genofeva im Thurm (1783), Johann Friedrich Hugo von Dalbergs Evas Klagen auf einen Text von Klopstock, Christian Gotthilf Tags Der erste April , Johann Christopf Kaffkas Rosemunde und Carl Maria von Webers Der erste Ton auf ein Gedicht von Rochlitz� Am Beispiel von Zumsteeg demonstriert Waeber, welche Rückwirkungen die Erfahrung mit solchen Deklamatorien auf die Komposition von Liedern Reviews 439 DOI 10.24053/ CG-58-0025 hatten� Vor allem die Gliederung der Liedform in mehr rezitativische und mehr ariose Teile und deren Verbindung mit intermittierenden Musikpassagen oder Zwischenspielen entsprach den Erfahrungen, die man mit Melodram und Deklamatorium gemacht hatte (312). Selbst ein nichtgesangliches Deklamieren konnte ins Lied integriert werden, wie Waeber am Beispiel von Zumsteegs Lied Die Entzückung auf einen Text von Friedrich Schiller nachweist (314f.), wobei Zumsteeg noch Schillers eigenen deklamatorischen Vortrag im Ohr gehabt haben mag� Zu Recht bemerkt sie, daß die sogenannten durchkomponierten Lieder im Unterschied zum Strophenlied notorisch diskontinuierlich waren (315). Auch der Gebrauch der musikalischen Vor- und Nachspiele stellte eine formale Entsprechung zu dem, was man aus Bendas Melodramen kannte, dar� Zumsteeg Lieder veranschaulichen die Intention, die musikalische Form den neuen Deklamationsgewohnheiten poetischer Texte anzupassen (323). Flankiert wurden diese Entwicklungen von der Beliebtheit literarischer Gattungen wie der Ode und der Ballade, die ein differenziertes Rollensprechen erforderten. Mit der Auflockerung der strophischen Form der Lieder aufgrund einer freieren Umsetzung des poetischen Metrums und der Reimordnung, aber auch aufgrund der Erfahrungen mit der theatralischen Deklamation im Melodram à la Benda (326), veränderten sich die Vorstellungen von der Sangbarkeit der Lieder. Daraus entstand eine veränderte Beziehung zwischen der poetischen Kunst der Rezitation und dem Lied, zunächst in der Schwäbischen Liederschule, dann auch jenseits davon, etwa in Johann Friedrich Reichardts bedeutendem Liedschaffen zwischen 1770 und 1814, dem Waeber zu Recht besondere Aufmerksamkeit schenkt. Reichardt habe wesentliche Prägungen für die Gestaltung seiner Lieder schon in den 1770er Jahren gefunden, in Auseinandersetzung u. a. mit der neuen Form des Melodrams� Seine Explorationen der narrativen und deklamatorischen Möglichkeiten des Lieds stehen in diesem Kontext� Wie weit die Integration der poetischen Rezitation ins Lied reichen konnte, zeigen Reichardts „Deklamationsstücke“ um 1800. Hier steht die deklamatorische Prosodie gegenüber anderen musikalischen Parametern unverkennbar im Vordergrund. Auffällig sind die vielen Aufführungsanweisungen, die er seinen Stücken etwa auf Texte von Goethe oder Schiller beigegeben hat: „frei deklamiert“, „edel deklamiert“, „feurig und stark deklamiert“, „kräftig deklamiert“, „frei und nachdrücklich deklamiert“, „pathetisch deklamiert“ usw. (329). Von der Rezitation über die Deklamation bis hin zum Gesang nutzt er alle ihm verfügbaren Vortragsarten. In seinen letzten Lebensjahren hatte Reichardt deklamatorische Veranstaltungen des unter dem Namen Patrick Peale auftretenden Vortragskünstlers Baron Gustav Anton von Seckendorff miterlebt. Waeber analysiert dessen Deklamationslehre und zieht auf vorsichtige Weise Parallelen zu Reichardts Liedschaffen. Von Seckendorff hatte unter anderem mehrere Texte 440 Reviews DOI 10.24053/ CG-58-0025 zur eigenen Klavierbegleitung vorgetragen, und zwar so expressiv, daß seine Stimme dabei den Gesang streifte� Er selbst sprach von einem „Konzert auf der Sprechtonleiter, von der leisesten bis zur stärksten Tonschwingung, welche an den Gesangton grenzt“� Reichardt mag sich nach Waebers Einschätzung in der Tat in seinen letzten Deklamierstücken, etwa solchen mit stärker erzählendem Ton, durch von Seckendorff ermutigt gefühlt haben, auch wenn seine Konzeptionen über diese Anregungen hinaus weiter zurückreichen. Immerhin durchmißt er hier das ganze Spektrum von gesprochenen Rezitativen bis zum gesungenen Lied� Man hätte sich in diesem Kontext als krönenden Abschluss eine Analyse des Liedschaffens des jungen Franz Schubert bis 1820 gewünscht, vor allem seiner frühen Goethe-Vertonungen, mit der Frage nach dem Verhältnis von Strophen- und durchkomponiertem Lied, nach Deklamation und melodischer Prosodie und nach dem Verhältnis zu romantischen Vortragskonzeptionen wie der von Seckendorff. Stattdessen führt der vierte und letzte Teil von Waebers Untersuchung von den musikalischen Experimenten mit Deklamation und Musik weit ab, indem er sich einem deklamationstheoretischen Spezialthema widmet, der Vortragslehre von Christian Gotthold Schocher, der bis in die Mitte des 19� Jahrhunderts allgemein als Begründer der Deklamationslehre in Deutschland betrachtet wurde und eine immense Rezeption in den akademischen und schulischen Vortragslehren gefunden hat� Dabei handelt es sich gewiß um ein theoretisch und historisch interessantes Kapitel, doch ist es ohne sichtbare Rückwirkungen auf die deklamatorische und musikalische Praxis geblieben, und dies nicht zuletzt, weil es von irrigen, ja abwegigen Prämissen ausging. Glaubte Schocher doch, den fünf wichtigsten Vokalen der deutschen Sprache - u, o, a, e und i - jeweils eine besondere Tonhöhe und einen spezifischen Ausdruckscharakter (Geister-, Gebets-, Conversations-, Rede und Götterbefehlston) zusprechen zu können� Überdies sollten die Vokale physiologisch an unterschiedlichen „Kehlpunkten“, also Ansatzpunkten in der Kehle entstehen� Waeber rekonstruiert dieses theoretische Unikum präzise mit historisch-philologischen Mitteln. Auch arbeitet sie die Rezeption von Schochers Theorie bei Vortragstheoretikern wie Heinrich August Kerndörffer, Friedrich Rambach, Emil Thürnagel und vor allem Detlef Friedrich Bielfeld heraus. Was man zu Schocher wissen muss, findet sich auf diesen Seiten� Stellt sich nur die Frage, ob man es wissen muss und was es zu den Verhandlungen zwischen poetischer Rezitation und musikalischen Experimenten beiträgt� Auch die verbleibenden Abschnitte haben nicht die thematische Stringenz der ersten drei Kapitel des Buchs, sie widmen sich der romantischen Theorie sprachlicher Klangsymbolik bei August Wilhelm Schlegel, der Korrespondenz von Vokalen und ihrer Bedeutung, der synästhetischen Vokal-Farbenleiter (384), Reviews 441 DOI 10.24053/ CG-58-0025 mit dem Nachweis, dass solche Spekulationen über die Vokale der deutschen Sprache als Stimmungsträger und Klangsymbole bis hin zu den Gebrüdern Grimm und darüber hinaus lebendig blieben. Weiterhin geht es um eine Posse über die Mode der Deklamatorien und vor allem deren „Theatralisierung“ von Ernst August Friedrich Klingemann Schill oder das Declamatorium in Krähwinkel. Eine Posse in drei Acten (1812); schließlich um Eduard Sievers linguistische Schallanalyse (397) als letztem Offspring der Deklamationslehren um 1800 („the reciter’s role is to effectuate a ventriloquising act of recitation in order to reveal the unique, unmistakable authorial voice,“ 399); um die Vokaltheorien von G. A. von Seckendorff und deren zeitgenössischer Diskussionskontext bei Autoren wie Novalis und August Wilhelm Schlegel; zum Schluß um den Unterschied von Sprachgesang und Sprechgesang und anderes mehr bis weit ins 20. Jahrhundert hinein� Festzuhalten bleibt die grundlegende Einsicht von Waebers Buch, wonach „it is this encounter between melodrama and poetic recitation that incited novel reconfigurations of declamation and a more musicalised approach to the German language“ (12). Diese Grundthese hat die Autorin überzeugend und umfassend belegt, und sie bleibt der eigentliche Ertrag ihres Buchs� Reinhart Meyer-Kalkus Ann Schmiesing: The Brothers Grimm: A Biography. Yale University Press, 2024. 360 pp. $35. In her introduction to The Brothers Grimm: A Biography , Ann Schmiesing paraphrases Jacob Grimm as he reflects on his and Wilhelm’s work on ancient poetry� He writes that older poetry taken out of context is comparable to caged lions and tigers that cannot do anything but pace hopelessly back and forth in their cages (xiii). Simply caged and placed on display far away from where they were captured, the animals cannot be adequately understood or appreciated by the crowds that come to view them away from their natural habitat� Merely observing the animals in cages, people will be unable to understand the cats’ true power and beauty in the wild, their proper context� Schmiesing’s point, analogous to Jacob’s, is that contemporary reception of the famed “Brothers Grimm” has likewise been removed from context� Their work is not truly understood without proper historical and political framing, situated within their achievements as scholars� Schmiesing’s biography takes on the difficult task of writing a text that appeals both to academics and a broader readership. She finds this dual audience important as she explains, “I have found that both within and beyond academia 442 Reviews DOI 10.24053/ CG-58-0025 numerous misconceptions of the Grimms exist” (xvii). Writing the first English-language biography of the Grimms in over 50 years, Schmiesing expertly works to bring a “new look” to the larger-than-life, often falsified or overly romanticized narrative surrounding Jacob and Wilhelm Grimm. The Brothers Grimm divides its discussion of Jacob and Wilhelm’s lives into chapters that focus on important or impactful moments in their lives such as “Childhood Memories,” “Reception of Children’s and Household Tales ,” and “The Göttingen Era�” Schmiesing certainly covers what one might expect, such as their collecting of and editorial work on the now world-famous Children’s and Household Tales . The book examines the huge influence their childhood in Hessen exerted on their selection of tales and references to nature, emphasizing their affinity for a simpler, village life, and happy and supportive family. Individual chapters then trace their journeys away from Hessen, following them to their studies in Marburg and the influential friendship with their law professor Friedrich Karl von Savigny, their collection of tales for Clemens Brentano and Achim von Arnim, and their own collection and editing of tales� Children’s and Household Tales now dominates descriptions of the legacies of Jacob and Wilhelm, though Schmiesing asserts that they would be disappointed if they knew that the tens of thousands of meticulously researched pages of their collective publications had fallen into obscurity� A solitary focus on their fairy-tale collection would take the Grimms’ beliefs and research agenda out of context, and Schmiesing argues and demonstrates that one cannot truly understand the project of Children’s and Household Tales without understanding the full body of the Grimms’ scholarship. The biography addresses Jacob and Wilhelm’s many projects and publications such as Wilhelm’s work on runes and medieval poetry and Jacob’s important and groundbreaking publications on phonology, linguistics, and mythology and finally their joint project of the German Dictionary� True to her goal of appealing to two audiences, Schmiesing contextualizes the scholarship within the Grimms’ lives without doing a full academic analysis but has extensive endnotes for anyone interested in examining the cited texts further� The endnotes and appendices are an excellent resource for further research as Schmiesing cites numerous texts and published articles, many of them publications relatively unknown today� In addition to presenting the Grimms’ rich and varied corpus of scholarship, Schmiesing’s monograph foregrounds the massive impact of the ever-changing political landscape, censorship, and war during the Grimms’ time� Their scholarship and other publications would be unthinkable without much of the political unrest affecting their entire lives. Schmiesing gives much needed framing to our understanding of these historical shifts by detailing the aims and laws of changing rulers and their expectations� This instability played a large role in Reviews 443 DOI 10.24053/ CG-58-0025 Jacob and Wilhelm’s approach to their work and their conceptualization of what a Germanic past could have looked like� The author introduces The Brothers Grimm by emphasizing the importance of narrative and the impact it has on people’s lives (ix—x), and her writing style and added details make for enjoyable reading as her engaging narrative helps the reader gain more insight and understanding of Jacob and Wilhelm Grimm as individual people� Throughout, she quotes or paraphrases liberally from the Grimms as well as their family members and friends. This humanizes two figures who have largely become mythologized themselves� The chapters are rich with descriptions of the Grimms as children “naughtily” drawing beards on figures of soldiers found on the wallpaper in the family living room, their love of keeping pressed flowers and feathers as bookmarks, the hardships they faced living under French occupation, or even extreme details of Wilhelm’s dreams as his health begins to fail later in life� The descriptions also allow the biography to critically examine certain patriarchal or prejudicial statements found in the works and letters, but also to further contextualize their nationalistic writings that came to be misappropriated after their deaths� The Brothers Grimm has 36 pages of detailed endnotes, and the appendices contain a helpful chronology and genealogy� The text includes many images of important people in their lives, places they lived, or historical events that impacted them. Schmiesing’s work succeeds in putting Jacob and Wilhelm’s lives and work into their historical context, highlighting Children’s and Household Tales as but one project among many throughout their lives. The Brothers Grimm: A Biography is an informative and enjoyable read for anyone with interest in the Grimms and also serves as a fertile source for researchers looking to find additional avenues for their studies. Jaime W. Roots, Washington and Lee University